Revisión de West Side Story: Steven Spielberg le da un giro radical a un clásico

Para los fanáticos de la clásica versión filmada de 1961 del musical escénico. West Side Story, los avances iniciales de la actualización de 2021 de Steven Spielberg no eran necesariamente atractivos. Las primeras imágenes hicieron evidente que Spielberg se basaba mucho en la versión del 61, con una puesta en escena, coreografías, vestuario (desde diseños hasta cortes y colores) muy similares e incluso tomas y secuencias específicas. La pregunta era por qué el mundo necesitaba una nueva versión de la historia, si Spielberg solo estaba planeando jugar al imitador. Rehacer un clásico es una apuesta arriesgada para cualquiera, incluso para un cineasta de la talla de Spielberg, porque cada remake necesita una razón para existir.

Pero la película en sí ofrece una respuesta, con una pasión suprema y una confianza asesina. Spielberg se inspira en gran medida en el director original Jerome Robbins, y se aferra a muchos de los detalles que hicieron que la versión del 61 fuera tan indeleble. Es claramente un fanático de la película original, pero eso no le impide hacer suya esta historia, en una variedad de formas ambiciosas y convincentes.

[Ed. note: This review notes some of the notable changes to West Side Story that some may consider spoilers.]

El escenario de 2021 West Side Story es lo mismo que siempre ha sido: la ciudad de Nueva York de los años 50, en un barrio de clase trabajadora en ruinas valorado solo por los residentes que se enorgullecen de caminar erguidos en su propio territorio. La historia es la misma: en un recuento actualizado de la obra de Shakespeare Romeo y Julieta, dos pandillas callejeras chocan por un territorio, y cuando dos jóvenes vinculados a esas pandillas se enamoran, las tensiones se desbordan. Las canciones son las mismas: la música irregular, urgente y pegadiza de Leonard Bernstein y las letras engañosas de Stephen Sondheim se combinan para expresar las grandes emociones de la historia en formas diseñadas para dejar al público tarareando después de los créditos.

Foto: The Walt Disney Company

Pero mientras que la versión de Spielberg respeta el pasado, la evolución de Tony Kushner de la obra de teatro de Arthur Laurents también aprovecha cada oportunidad para agregar matices. Kushner agrega una ironía: mientras las pandillas luchan por quién es el dueño mayoritario del vecindario, la comisión de planificación de la ciudad planea aplanar toda el área para un proyecto de renovación urbana. Es un pensamiento de mano dura, acompañado de escenarios en los que el vecindario se reduce cada vez más a montones de escombros alrededor de las personas que luchan por él. Pero ciertamente hay un mensaje sobre la insignificante futilidad de las batallas raciales y de clase que están librando los residentes, dado el panorama más amplio que los rodea.

La historia comienza una vez más con los Jets, una pandilla de chicos blancos de clase trabajadora que gobiernan nueve cuadras de un vecindario rudo y ruinoso. Su engreído líder Riff (Mike Faist), quien cofundó los Jets con su amigo de la infancia Tony (Ansel Elgort), ha enfrentado desafíos de otros rivales en el pasado, pero los Jets encuentran su rival en los Sharks, un grupo de Puerto Rico. Inmigrantes ricos que intentan construir vidas en un nuevo país. Desde la perspectiva de Riff, los tiburones son invasores agresivos e indeseados que provocan peleas al desafiar el bien establecido reclamo territorial de los nativos. Para el líder de los Tiburones, Bernardo (David Alvarez), Riff y sus muchachos son fanáticos y matones, representativos del racismo y la opresión inherentes que subyacen a la llamada tierra de las oportunidades. Cuando Tony y la hermana de Bernardo, María (Rachel Zegler) se encuentran en un baile local, se enamoran en la forma instantánea de los musicales de películas y Romeo y Julieta historias, y su comunidad consternada, ya preparada para la violencia, estalla a su alrededor.

Si bien muchos de los escenarios de Spielberg evocan las elecciones de Robbins de 1961, Spielberg da algunos pasos particularmente audaces, reimaginando por completo los números clásicos para darles una nueva urgencia y dinamismo. Pero los cambios más pequeños en el guión terminan sintiéndose más vitales, dando a los personajes una nueva profundidad.

Los personajes puertorriqueños obtienen la mayor parte del nuevo enfoque. La obra original tenía más empatía y admiración por los inmigrantes recién llegados de lo que era culturalmente común en el lugar y la época donde se desarrolla la historia. La versión de Spielberg y Kushner subraya aún más esas simpatías. Los realizadores hicieron una actualización crucial en el reparto, reemplazando a los tiburones de la versión de 1961, en su mayoría actores blancos y no latinos con cara marrón, con un elenco totalmente latino. Y contienen escenas significativas con diálogos en español sin subtítulos, no espanglish torpe o el extraño intercambio de idiomas a mitad de oración que se ha vuelto común en programas de televisión y juegos que intentan establecer un entorno y una cultura sin alienar a los angloparlantes. En todo caso, esto West Side Story parece que se hizo ante todo para espectadores bilingües.

Foto: The Walt Disney Company

Los cambios también se extienden a las historias de fondo de los personajes. Bernardo tiene ahora una incipiente carrera como boxeador. Su vivaz novia Anita (Ariana DeBose) tiene importantes ambiciones profesionales, mientras que María ha construido una historia en Estados Unidos que supera con creces la de su hermano. Incluso el amigo de Bernardo, Chino (Josh Andrés Rivera), es más un personaje en este recuento, no solo el nerd inofensivo que Bernardo sigue presionando a María, sino el mejor amigo de Bernardo, a quien está tratando de proteger de cualquier interacción con las pandillas. Los cambios son superficiales y no cambian mucho la historia. Algunos de ellos simplemente plantean preguntas: ¿no debería Bernardo estar entrenando, en lugar de correr por las calles, peleando con los niños locales?

Pero cada pequeño toque se destaca al hacer que la historia sea específica, enfocada tanto en personas individuales como en los llamativos números de baile y las canciones memorables que interpretan. Riff y los Jets no se reinician tanto, pero el protagonista romántico Tony sí. En esta versión de la historia, acaba de regresar de una temporada en la prisión después de casi matar a otro niño en una pelea. Su horror por su propia capacidad de violencia le ha dado una razón adicional para retroceder cuando Riff intenta llevarlo de vuelta a la vida de pandillas. Aquí, Tony fue criado por una mujer puertorriqueña, Valentina (Rita Moreno, quien ganó un Oscar por interpretar a Anita en la versión del 61) después de perder a sus padres. Ser criado con un pie a cada lado de la creciente división racial que lo rodea hace que su atracción por María y su incapacidad para comprender el odio de Bernardo hacia él sea aún más comprensible.

Gran parte de la versión de Spielberg es solo la versión de Robbins, más esas notas de gracia agregadas en el guión. Algunas de las canciones clásicas se han rediseñado audazmente; “Genial”, “Una mano, un corazón” y “Caramba, oficial Krupke” tienen diferentes tonos y escenarios que cambian sus significados. Aunque es el mayor error de cálculo de la película, Spielberg toma la lastimera canción «I wish» «Somewhere» de Tony y Maria, y se la da a Valentina. La escena es una lágrima que respeta a fondo la significativa historia de Moreno con el programa y con un Hollywood que a menudo no podía encontrar un lugar para su talento. Pero la canción se siente delgada como un tema en solitario, y hay un cambio significativo en el significado entre dos jóvenes que imaginan un mundo donde su nuevo amor condenado podría florecer, y una mujer de 89 años que imagina un reencuentro con su esposo muerto. Peor aún, alejar la canción de María y Tony le quita a la obra su conmovedora repetición, atenuando el máximo impacto emocional de la película en un momento clave.

Sin embargo, aparte de esa canción, la interpretación de Moreno es cálida y bienvenida, y es una fuerte incorporación a un elenco que en su mayoría aporta todo el entusiasmo necesario a este enfático material musical. El más destacado es Mike Faist, uno de los pocos pandilleros que, a los 29 años, se hace pasar por un salvaje y precoz de 17 años. Zegler y DeBose también son artistas fascinantes, y las escenas en las que se enfrentan entre sí o se unen contra Álvarez. , son particularmente animados.

Foto: Estudios del siglo XX.

Pero la verdadera estrella del espectáculo es Spielberg y la cámara del director de fotografía Janusz Kaminski, que va a lugares que Robbins nunca pudo en 1961. Las faldas arremolinados y la coreografía con infusión latina de la actuación de «América» ​​o el baile del barrio salen de la ‘ Versión de los 60, pero en esta interpretación, la cámara vuela sobre la acción, se sumerge entre las piernas de los bailarines y se acerca para capturar sus rostros. Cuando Riff y Tony se enfrentan por un arma en una plataforma que se desintegra en «Cool», la cámara salta de un lado a otro entre ellos como un combatiente adicional en la refriega. En los lugares donde Robbins retrocedió como si tratara de abarcar todo un escenario de Broadway a la vez, Kaminski se mete en el corazón de la acción. Es impresionante, e incluso un poco amenazante, estar tan inmerso en un movimiento y color tan vertiginosos.

Lo mismo podría decirse del resto de la película, que presenta a Spielberg haciendo todo lo posible para hacer una historia amplia y enérgica aún más amplia, mientras que al mismo tiempo está atento a los detalles más finos que componen el mundo. Ha logrado un remake que se desvía del original sin perder su corazón ni su atractivo, y que justifica artísticamente su existencia sin volverse irreconocible. Es un gran logro, y el raro caso en el que un remake se siente como un acto de fanatismo ferviente.

West Side Story está en cines ahora.