Las secuencias finales de Chainsaw Man explican el enfoque de adaptación del anime

En medio de expectativas astronómicas y probablemente injustas semana tras semana, la adaptación al anime de Hombre motosierra en su mayoría ha sido una delicia para la vista, desde su apertura macabra hasta su final emocionante. Las escenas de acción de la serie impresionan y, bajo la dirección de Ryu Nakamura, el programa ha adoptado un enfoque visual sorprendentemente deslumbrante y realista durante la mayor parte de su primera temporada, llena de una iluminación muy fría y una atención paciente a las escenas tranquilas de actuación detallada de los personajes, que inicialmente fue una sorpresa teniendo en cuenta la reputación del cómic de caos vertiginoso y áspero.

A medida que sigue obedientemente la historia propulsora del material de origen, los artistas han estado rellenando episodios con momentos de naturalismo moderado, mientras que sus escenas de acción de ritmo rápido apuntan más al derramamiento de sangre visceral y al horror asombroso. Tales secuencias se expanden en los diseños de página elípticos de Fujimoto, como donde Aki invoca por primera vez al demonio Fox: el programa aborda las cosas de manera más cinematográfica, a falta de una palabra mejor, la cámara representa un zoom de muñeca en el signo de la mano de Aki, alargándolo desde el breve momento de conmoción al pasar a la siguiente página y la imagen reflejada aparece de repente.

Pero (con la notable excepción de su apertura simbólica y cinéfila dirigida por Shingo Yamashita) nada captura la energía sucia y errática de Hombre motosierra más que las secuencias finales, que el anime cambia deliciosamente cada vez. Cada nuevo episodio trae consigo una nueva secuencia animada de créditos finales de un nuevo director, cada uno con su propia interpretación y estilo individual. Hombre motosierrahermano espiritual y compañero de producción de MAPPA, la igualmente macabra y tonta adaptación de Dorohedoro, tenía algunas secuencias finales adicionales de varios estilos bajo la manga, pero no tanto. Y la escala del proyecto se ha extendido no solo a la gran cantidad de finales diferentes en una temporada (¡12!), sino también a los artistas populares que entraron en la órbita del programa, como Eve, Vaundy y Queen Bee (cuya vocalista principal Avu-chan interpretó el papel principal homónimo de inu-oh).

Imagen: MAPA

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Las secuencias de apertura y finalización son normalmente una oportunidad para inyectar un poco de imaginación adicional en un espectáculo, dentro de este espacio, muchos espectáculos juegan con nuevas paletas o incluso universos alternativos que toman sus personajes. Pero lo que es atípico aquí es simplemente la gran cantidad que obtenemos en una temporada, sin mencionar las grandes bandas que vienen con ellos, un beneficio de lo exuberante que es esta adaptación en particular. Cada semana trae consigo una nueva y llamativa toma a medida que los directores modifican fuertemente su estilo en el material, cambios que en sí mismos se sienten en conversación con los cambios tonales repentinos y los experimentos formales por los que el trabajo de Fujimoto rápidamente se hizo famoso.

Después de acostumbrarse a cómo se presenta el resto del programa, hay una novedad emocionante al ver Hombre motosierra interpretado de una manera nueva cada semana junto con la coherencia bastante estricta de los episodios principales. Después de la simple recapitulación del primero, cada director subsiguiente puede crear algo increíblemente memorable, cada uno contribuyendo a la sensación de que el lanzamiento de cada episodio es una especie de evento en sí mismo, todo parte de la estrategia de «Chainsaw Man Tuesdays», donde los nuevos números de la Parte 2 del manga han aterrizado aproximadamente al mismo tiempo que los episodios (todo mientras muestra cierta simetría en su trayectoria narrativa, pero ese es otro asunto). Incluso con ese sentido obvio de que juega con el marketing, es un proyecto emocionante: si hay algún problema, es que los subtítulos a veces ásperos del programa se extienden a estos momentos, omitiendo todas y cada una de las letras temáticamente relevantes.

Uno de los primeros destacados proviene del director Yuki Kamiya con el tercer ED, musicalizado con una canción maníaca «Hawatari Nikon Centi» de Maximum the Hormone (que en este punto se ha convertido en una especie de canción insertada y motivo para Denji cuando revienta las motosierras) , un aluvión sensorial agresivo y expresivo de gritos y sonidos chirriantes y tonos luminiscentes. También es elegante como el demonio, una explosión psicodélica de sonidos ásperos de tambores breakbeat e imágenes superpuestas que chocan con lo que parece ser la perspectiva subjetiva de Denji con el mundo tal como es, ecos de la áspera destreza de Fujimoto visible en sus salvajes dibujos de personajes. Junto con ese estilo de dibujo y ritmo vertiginoso, la dirección del color podría ser lo mejor de todos los finales que se remontan a las portadas del cómic, una emulsión expresiva de tonos ácidos contrastantes.

Los gritos se detienen, el cantante adquiere una nota más alta pero más suave y Makima desciende de los cielos, la representación sutil del mazo de la deificación de Denji de su aparente salvador solo se carga cada vez más con un significado siniestro a medida que avanza el espectáculo. Kamiya regresó más tarde en la temporada para el octavo final, que adquiere un tono mucho más emo y sombrío a medida que desentraña aún más la trágica relación entre Aki y Himeno, con un metal alternativo igualmente agresivo, de TK de Ling tosite sigure, anotando un paisaje bañado en tonos profundos de naranja y azul, con una breve invasión de los tonos más neón de su final para el episodio 3. Lo que hace que esto se sienta como un proyecto especial es cómo estos finales de colores vivos y muy estilizados se sientan muy cerca de algo como el más austero. , lúgubre décimo final. directora y artista multimedia Yuma Hirai aplica su práctica al simbolismo del programa y al posicionamiento temático de Denji, utilizando fotografías de acción real junto con un dibujo expresivo pero áspero que recuerda los cómics de Fujimoto, todo coloreado en una paleta marrón opresiva. Es una evocación bastante contundente del posicionamiento social de Denji dentro de la División 4, comparándolo con un perro que no se diferencia de nada de lo que dice Makima, pero que se presenta con más brutalidad que nunca, en un enfoque completamente diferente de Hombre motosierra (el espectáculo) el realismo visual.

El cuarto episodio trajo algo mucho más alegre con un adorable tributo al compañero de cuarto de Denji y Aki y al demonio sediento de sangre, Power, la animación bañada en un tono rojo brillante mientras el demonio es retratado bailando en una serie de diferentes atuendos, varios cortes que muestran juguetonamente el partes entrañables y abrasivas de su personalidad (un corte rápido de sus verduras arrojadizas para empezar). Con un guión gráfico, dirigido y animado en solitario por coalowl, pinta al demonio favorito de todos con el estilo independiente del artista, utilizando una paleta simple, similar a una risografía, de bloques de colores en su mayoría rojos y amarillos, cruzados con coreografías de baile realistas y tipografía llamativa, elementos comunes de la trabajos anteriores de videos musicales del artista.

Estas escenas son más que un beso divertido para el episodio. La secuencia del episodio 4 vuelve a presentar a Power como la estrella del espectáculo, en una combinación lúdica de la estima de la audiencia por ella y su propia gran autoestima como futura ganadora del premio Nobel. La pista en sí, “Tablet” de TOOBOE, con su ritmo animado y sintetizadores extravagantes, es efectivamente una canción de amor en el mismo sentido, la letra se presenta en contexto como una oda amorosa a la salvaje impulsividad de Power. Mientras que el tercer final dirigido por Kamiya capturó la historia hasta ahora en un microcosmos delirante, el cuarto amplía la personalidad de un personaje con el que la audiencia del anime aún no había tenido mucho tiempo, en comparación con las personas que importan su amor por ella del manga. . Es una elección que habla de la gran función de Hombre motosierraLos finales de como extensiones de la narración y la caracterización, algo que solo se fortalece a partir de ahí. Para el episodio 9, Masanobu Hiraoka dirige, guiones gráficos y solo anima una visualización alucinante y en constante transformación de las malas vibraciones de Makima, como ya se ilustró violentamente en la historia anterior.

Cada fotograma densamente empaquetado en ED5 (dirigido por Hiromatsu Shuu) es divertido de separar como la representación de los diversos cazadores de demonios atrapados mientras cuatro caballos diferentes actúan como representaciones de los personajes y sus personalidades e insinúan el tapiz más amplio de la historia ( e incluso una referencia potencial a Horse In Motion de Muybridge, continuando su post-No tiempo en el centro de atención). Explota la presunción del episodio de un hotel infinito hacia el exterior en un choque caleidoscópico de diferentes movimientos artísticos (que abarca todo, desde el arte anamórfico hasta La Piedad de Miguel Ángel, reemplazando a Jesús y María con Denji y Makima), motivos siniestros y varias estructuras escherianas en bucle de escaleras imposibles. . La pista igualmente hipnótica de Syudou, «In The Backroom», impulsa el viaje a través de su simbolismo multifacético. Es delicioso asimilar, desde la animación acelerada de Kobeni deslizándose ansiosamente por el hotel y mirando repetidamente por encima del hombro, hasta las imágenes vívidas, fluidas y psicodélicas de Himeno fumando tranquilamente el tiempo.

Estos finales han sido tan emocionantes que amenazan con provocar ideas sobre lo que pudo haber sido, preguntando “¿por qué no se hizo todo de esta manera?”. Si bien comparto cierta empatía por ese pensamiento, esto no quiere decir que no haya un valor emocional en el enfoque que ha adoptado el programa hasta ahora, que yo mismo he disfrutado mucho por su interpretación de la serie.

A pesar de que los episodios dan prioridad a la fidelidad sobre la estilización y las nuevas invenciones, todavía hay placeres únicos en ellos (para empezar, la partitura encantadora e idiosincrásica de Kensuke Ushio) de la misma manera que el cómic tiene su atractivo único, por ejemplo, cómo Fujimoto estructura las escenas con todos los elementos formales. en mente con burbujas de discurso que actúan astutamente como barras de censura para decapitaciones o actúan como un indicador visual de la distancia emocional entre dos personajes, o cómo los poderes siniestros de ciertos demonios rompen el límite del panel. Hay momentos en los que el espectáculo tal vez se beneficiaría de una sincronización más rápida en su dirección, pero en su mayor parte sus florituras son bastante deslumbrantes a su manera.

A pesar de que es un espectáculo shonen sobre un adolescente inmortal cachondo cuya cabeza se convierte en una herramienta eléctrica, muchas de mis partes favoritas provienen de sus momentos de verosimilitud tranquilos y lentos: Aki preparando un poco de café y lavando la ropa, Himeno dando tumbos borracho en su apartamento. , Makima arreglando su uniforme: estos se acumulan en una imagen más completa de estas personas y sus gestos, los pequeños rituales que hacen para ejercer control sobre sus vidas en un mundo donde las cosas a menudo salen increíblemente mal increíblemente rápido. No solo eso, sino que esos segmentos de la vida los humanizan aún más, el simple hecho de existir en el mismo espacio durante un tiempo más prolongado hace que sus futuras ausencias sean aún más difíciles. El último final, anotado para «Fight Song» por Eve, finalmente conecta los puntos entre estos dos modos de Hombre motosierradando a la familia sustituta de Denji, Aki y Power algunas cosas normales para hacer, ir de compras y preparar la cena juntos. Guión gráfico por Nakamuratiene sentido que tal secuencia final sirva como coda para la temporada, ese enfoque que lo une todo.

Todo es divertido, y tal vez la diferencia solo signifique que de esta manera siempre obtenemos dos Hombre motosierras en uno, el programa efectivamente tiene su pastel y también se lo come al usar las secuencias finales como una oportunidad para conectarse con el tono variado del cómic mientras mantiene su propio enfoque de mal humor. El programa es bueno por diferentes razones que el manga, que creo que es la forma en que deberían ser las adaptaciones, incluso si puede haber una punzada de decepción porque no alcanza una experimentación formal similar. Ahí es donde entran las secuencias finales: pequeñas historias en sí mismas que actúan como una especie de puente entre lo que es y lo que podría haber sido, entre la historia a través de los medios, un poco de destilación creativa. Hombre motosierra vibra semana tras semana, independientemente de cómo transcurra cada episodio.