El director de Animal Kingdom analiza la película de ciencia ficción más fascinante de 2024

Esta entrevista con Reino animal El director Thomas Cailley se publicó originalmente junto con el estreno de la película en cines de Estados Unidos. Se actualizó y se volvió a publicar para el debut de la película en Hulu.

En la película de ciencia ficción francesa El Reino animalEl mundo está cambiando y los humanos con él. Una mutación comienza a transformar a los humanos en híbridos animales, creando una variedad de humanos-pájaros, humanos-insectos, humanos-mamíferos y muchos otros tipos nuevos de seres. Atrapada en medio de esta convulsión se encuentra una familia dividida: la madre, en medio de una mutación, ha desaparecido de un transporte médico, lo que deja al padre y al hijo buscándola desesperadamente. La fantástica película ya está disponible para alquiler digital y transmisión en Hulu, después de proyectarse originalmente en Cannes y otros festivales de cine en 2023.

El diseño de la criatura en El Reino animal es un ejemplo perfecto de cómo los efectos prácticos y digitales pueden trabajar en armonía para complementarse entre sí, creando un efecto que no se podría lograr con ninguno de ellos por separado. El director Thomas Cailley y su equipo usaron una combinación de varios efectos prácticos (trajes, maquillaje, animatronics) y efectos digitales para crear algunos de los diseños más evocadores y originales en años, como un humano-pangolín escamoso o un humano-camaleón que puede mimetizarse con el entorno.

Pero en el centro de la película está la conmovedora relación entre padre e hijo. Romain Duris (Aramis en la última adaptación exitosa de Francia de Los tres mosqueteros) es increíblemente conmovedor en su interpretación del padre, François, que pone de manifiesto su miedo a perder a su amada familia y el profundo cariño que siente por ellos sin importar las circunstancias. La actuación de Paul Kircher como su hijo, Émile, es trascendente, especialmente cuando el adolescente comienza a atravesar algunos cambios inesperados, evolucionando cada elemento de su desempeño físico mientras aún conserva el alma temperamental de un adolescente con problemas. Juntos, dan vida a una relación compleja en un mundo agitado.

Fascinante y discutible hasta el infinito, especialmente por las preguntas que plantea sobre la humanidad y cómo tratamos a quienes son diferentes a nosotros. El Reino animal La película describe su mundo cambiante con gran cuidado. La presencia de estas personas híbridas provoca reacciones dispares en los humanos de la película: compasión, miedo, ira, disgusto. Algunas personas están profundamente preocupadas por cómo se trata a las personas híbridas y abogan por la coexistencia, mientras que otras forman milicias y abogan por la violencia. Todo esto da como resultado una representación muy realista de cómo nuestra sociedad reacciona ante las personas que son marginadas, en todos sus matices.

La premisa central de la película invita a muchas lecturas alegóricas diferentes: ¿Se trata de raza? ¿Se trata de discapacidad? ¿Se trata de género? ¿Se trata de xenofobia? La amplia gama de interpretaciones es algo que Cailley le dijo a Gameslatam que aprecia sobre las reacciones del público hasta el momento, pero el director insiste en que no hay una respuesta correcta. Todo se combina para una de las películas más intrigantes del año y una de las mejores obras originales de ciencia ficción de los últimos tiempos. Antes del estreno, Gameslatam habló con Cailley sobre la complicada moralidad de la película, los magníficos efectos y sus diseños de criaturas favoritos con la ayuda de un traductor, Nicholas Elliot.

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Gameslatam: ¿Cuál fue el origen de la idea del proyecto y cómo te involucraste por primera vez?

Thomas Cailley: Originalmente, quería contar una historia de padre e hijo, y quería que hubiera un elemento de fantasía, algo que cambiara la narrativa, que la llevara a otro lado. Y por casualidad, conocí a una joven [Pauline Munier] Ella era una guionista que todavía estaba estudiando, en realidad, en ese momento, para escribir guiones. Y había escrito una historia sobre la hibridación entre animales y humanos, y me pareció muy interesante. Y entonces comenzamos a trabajar en un proyecto juntos. Esto fue en 2019, hace cuatro años.

¿Cómo era tu relación con el género de ciencia ficción antes de hacer esta película?

Bueno, mi primera película. [Love at First Fight] La película se va deslizando hacia una especie de elemento de ciencia ficción o anticipación. Es la historia de una joven que está convencida de que el mundo se va a acabar y, al final de la película, eso sucede. Y eso es algo que teníamos que mostrar, teníamos que ponerlo en escena. Al principio, eso no estaba planeado cuando empecé a escribir mi primer largometraje. Y al hacerlo, descubrí el placer de inventar este tipo de imágenes. Y eso es algo a lo que quería volver con otra película, volver a esa libertad que se obtiene al trabajar con el género y que te permite profundizar en la creencia en los personajes.

¿Cuál fue su filosofía y enfoque al diseñar las criaturas de la película?

El concepto de mutación es que parte del cuerpo humano para avanzar hacia algo diferente, hacia otra frontera, un nuevo horizonte, y tratamos de mantenerlo realista y orgánico. En la mayoría de las películas que tratan sobre mutaciones hay algo mágico o acelerado en la mutación: te transformas porque afuera hay luna llena, o te pones un disfraz y eres mitad hombre, mitad animal. Aquí queríamos algo mucho más progresivo que, en cierto modo, fuera como una enfermedad, y eso fue lo más difícil de hacer.

En las primeras reuniones que tuvimos para preparar la película, lo que realmente me aterrorizó fue que parecía que tendríamos que hacer 100% CGI, 100% efectos digitales, y yo no quería eso en absoluto. Así que lo que intentamos hacer fue combinar todo tipo de efectos posibles. En la mayoría de las escenas, estás tratando con actores reales, hay un cuerpo real frente a la cámara todo el tiempo. Y trabajamos muy duro para hacer cosas con maquillaje, prótesis, animatronics, es decir, robots. Y cuando realmente no pudimos hacerlo, entonces usamos CGI. Así que hay una hibridación de tecnología que se ve en cada toma de la película. El cóctel que estamos usando siempre es diferente. Y lo que es realmente interesante de tener este cóctel es, en primer lugar, que es más real, no hay pantalla verde, no hay captura de movimiento; y en segundo lugar, debido a que la mezcla de tecnologías siempre es diferente, el ojo del espectador nunca tiene la oportunidad de acostumbrarse a lo que está viendo y entender lo que está sucediendo, en términos de tecnología.

Para cerrar, ya que me preguntaste por la filosofía, empecé a trabajar con un autor de cómics y luego con gente a la que llaman diseñadores de personajes. Cuando empecé a escribir, la idea era que la mutación fuera de los seres humanos a los animales tal como los vemos en la naturaleza, pero a medida que avanzaba con el rodaje y conocí a los actores que iban a interpretar a esos personajes, descubrí que sería mucho más interesante que cada personaje inventara el personaje que iba a encarnar. Y así avanzamos hacia esas formas originales atípicas que, de hecho, no son exactamente las que encontramos en la naturaleza. Así que no se trata tanto de un regreso a la naturaleza como del descubrimiento de una nueva humanidad, de una nueva frontera en la evolución.

Eso es muy interesante, especialmente la relación entre la hibridación de técnicas y la hibridación de especies en la película. ¿Hay algún diseño de criaturas que te guste especialmente? Para mí, tal vez la toma más impactante de la película es la de la persona que tiene piel de reptil y se le ven los omoplatos moviéndose mientras se desliza por la hierba.

Es interesante que hayas mencionado al reptil, porque también es una de mis criaturas favoritas y es bastante representativa de nuestro trabajo. Ya sabes, este es un personaje que nunca se ve en su totalidad, pero tenemos esa toma de su espalda. Y la idea de su espalda surgió de un bailarín contemporáneo que descubrí que tiene huesos o estructura esquelética y músculos muy interesantes. Y cuando este bailarín se tumba en el suelo, sus omóplatos literalmente se levantan, creando un relieve muy interesante en su espalda, que es inquietante porque es humano, pero también es algo más. Así que en el caso de este actor que interpretó al reptil, literalmente le pusimos una nueva piel en la espalda y le pedimos que se moviera hacia adelante como un reptil. Y lo que se ve de su espalda y su estructura esquelética es realmente parte humana y parte animal. También me gustó mucho la mujer calamar del supermercado, que por cierto también es bailarina.

En términos de trabajar con los actores para diseñar las criaturas, ¿hubo algún momento “¡Eureka!”? momentos que se sintieron como, Sí, esta persona realmente entendió lo que quería aquí.?

Hubo un momento en la película. Es el momento en el que François, el padre de Emil, está luchando contra una criatura detrás del restaurante. Es la criatura humana-morsa. Y esa pelea es interrumpida por la colega de François. Ella golpea a la criatura con un remo de canoa. Y en ese momento, la criatura y la mujer intercambian miradas. Y fue realmente un momento tan hermoso, pensé. El actor dentro de ese disfraz no podía ver en absoluto, debido al disfraz. Pero había entendido algo sobre el movimiento físico necesario y el tiempo realmente se detuvo. Hay una combinación en ese momento que es muy poética de la comprensión de la escena por parte de la actriz, la comprensión de la escena por parte del actor ciego, y de lo que hacen las tres o cuatro personas que controlan los animatrónicos, porque hay como 1.000 motores en la cabeza de esa criatura, y eso hace que esta escena de lucha se convierta en un encuentro entre dos seres. Y ese momento realmente me dejó atónito porque sentí que todo un equipo se unía y realmente se alineaba.

Hay muchos temas en la película que se pueden interpretar como alegorías. ¿Había algún tema contemporáneo en el que estuvieras pensando específicamente?

Por supuesto, hay un tema muy universal en la película, que es la relación entre padres e hijos y la transmisión o transmisión de cosas a lo largo de dos generaciones. Ese es el tema profundo de la película, lo que significa dejar algo a alguien: François, que está transmitiendo un mundo a su hijo, Emil. Y esa es una pregunta que tiene mucho significado para mí, porque soy un padre relativamente reciente, y encuentro realmente misteriosa esta cuestión de lo que un padre transmite a sus hijos. A lo largo del proceso de realización de esta película, nos esforzamos mucho por no limitar la metáfora. Creo que lo interesante de la fantasía, cuando funciona, es que cada uno puede interpretarla como quiera.

Así que me alegré mucho cuando empezamos a mostrar esta película al público y vi que mucha gente veía diferentes metáforas en ella. Algunas personas me hablaron de la metáfora de las diferencias, de cómo aceptamos la diferencia. Algunas personas me hablaron de la crisis migratoria en Europa hoy en día. Algunas me hablaron de la psiquiatría, de la situación de la psiquiatría en Francia y en Europa. Algunas me hablaron de las personas racializadas, que es el término francés que se usa para referirse a las personas con una identidad racial no centralizada. Y otras me hablaron de la transición de género. Creo que el poder de la fantasía, cuando funciona, es que no todo está resuelto. Dejas espacio para el espectador.

El Reino animal se transmite en Hulu y está disponible para alquiler o compra digital en Amazonas, Vudúy plataformas similares.